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El desnudo es el tema más perdurable en el arte.
Desde hace más de 20.000 años, las imágenes del cuerpo humano desnudo
han estado en el centro de una saga larga y compleja.
Es difícil de entender cualquiera de las principales novedades en el arte
sin comprender el papel fundamental que desempeñan
cambiando las representaciones de hombres y mujeres desnudos.
En esta serie, voy a explorar el significado actual del desnudo,
lo que nos dice acerca de diversas civilizaciones
y lo que nos dice acerca de nosotros mismos y del mundo en que vivimos.
En las civilizaciones antiguas de los griegos y los romanos,
el desnudo se utilizó en abundancia
para glorificar e idealizar la fuerza física masculina
porque eran sociedades militaristas.
Pero todo cambia después de la caída de estos imperios
y el surgimiento de un nuevo cristiano.
Estoy de pie en una iglesia de West Sussex, la iglesia de San Botolph en Hardham,
en las paredes algunas de las pinturas murales medievales temprana s
que existen en cualquier parte de Gran Bretaña.
Estas imágenes fueron pintadas hace tiempo justo después de 1100
por un grupo de artistas llamado el grupo de Lewes
que viajó por esta parte de West Sussex
e infundido el estilo anglosajón con algo del estilo de Norman
para que podamos ver en el tapiz de Bayeux.
La imagen que estoy viendo
Exhibe un desnudo en su parte central
pero con un fuerte propósito moral cristiano.
Vemos a Adán y Eva en el Jardín del Edén.
Son dibujos muy simplista ,
aunque hay algo maravillosamente visceral
en la vista externa de sus cuerpos.
Adam está apuntando a Eva.
Mientras ella toma la manzana
que le ofrece una serpiente alada envuelta alrededor del árbol
que podemos ver allí.
en el otro panel en el otro lado de la cancillería,
vemos ocultar su desnudez.
Y de repente, la desnudez no es una expresión
de los ideales humanos y la belleza y la perfección,
sino es una expresión del pecado.
¿Por qué?
Bueno, la Biblia lo hace evidente.
una vez que la manzana se había comido,
Entonces fueron abiertos los ojos de ambos, dice,
y descubrieron que estaban desnudos.
Entonces cosieron hojas de higuera y se hicieron taparrabos.
Y entonces Adán le dice a Dios,
'' Yo tenía miedo porque estaba desnudo, y me escondí.''
¿Por qué el judaísmo y el cristianismo posteriormente
tomaron este punto de vista desconcertante.
El desnudo, tan grandemente celebrado y admirado
en el arte de Grecia y Roma,
ahora estaba envuelto en una nube de vergüenza que en realidad nunca hemos quitado de encima.
Creo que la religión cristiana tiene mucho que responder,
francamente, en cuanto a la manera de ver el arte,
debido a que la iglesia tenía deseos muy, muy fuertes para censurar,
y la iglesia así lo hizo.
La iglesia destruyó imágenes.
La Iglesia insiste en la eliminación de las imágenes de la vida pública
porque se consideró que, en la iglesia cristiana, la desnudez era mala.
La desnudez era obra del diablo.
Esta serie se centra en gran medida en el arte occidental.
Pero sería equivocado de mí parte
ignorar completamente las otras partes del mundo
y la forma en que se retrata el desnudo exactamente al mismo tiempo.
Si uno mira a la India, por ejemplo, lo que es evidente es la apertura
en agudo contraste con la mojigatería Europea inherente de la Edad Media.
Estos templos hindúes contienen imágenes que todavía no se puede mostrar.
Y de hecho los imperialistas británicos, hace dos siglos,
trató de encubrirlos, incluso destruirlos en algunos casos.
Sin embargo, en las creencias hindúes, el acto de unión ***
es similar a la comprensión del universo.
El placer de hacer el amor es visto como la puerta de entrada al equilibrio espiritual.
Y el abrazo del hombre y la mujer
significa la unión definitiva del alma y la divinidad.
En el siglo cuarto, el arte occidental experimentó una revolución,
y el gran artista revolucionario fue un hombre llamado Giotto di Bondone,
un hombre que nació cerca de Florencia en torno a 1267.
Y su vida temprana,
según el gran historiador del arte florentino Giorgio Vasari,
era como la de un joven pastor.
Fue descubierto por Cimabue pintando animales en una roca.
Cimabue fue el más grande pintor florentino de su día
y tomó de Giotto como alumno,
y trabajaron juntos en los grandes murales en Asís
que representan la vida de San Francisco,
muchos de los cuales posteriormente fueron destruida por un terremoto.
Pero esto, creo, es el logro supremo de Giotto.
es en la Capilla Scrovegni aquí en Padua,
y representa la vida de los santos, la vida de la Virgen María,
y de manera más dramática, la vida de Cristo
en 38 paneles prestados directamente en la pared
y mostrando un verdadero drama
que nunca había estado en el arte occidental hasta este momento.
Ahora, Giotto funciona bien en la forma de un arquitecto.
¿Qué quiero decir con esto es que Giotto
tendría que hacer bocetos y dibujos en un pergamino.
para luego pinchar agujeros para delinear las diferentes figuras y formas,
y luego los pergaminos se ponen en las paredes.
se sopla polvo de carbón a través delos agujeros, por lo que el esquema estaría allí visible.
Luego, por supuesto que tiene que trabajar directamente sobre yeso húmedo
en un proceso que es arriesgado y tiene que hacerse rápidamente.
Y este es el resultado.
La representación de Giotto de la desnudez sigue en gran parte la tradición cristiana
de utilizar el desnudo como una representación del pecado.
Esto es'' el Juicio Final de Giotto,''
en mi opinión, el mejor ''Juicio Final'' jamás pintado
aparte del de la Capilla Sixtina de Miguel Ángel 200 años después
En el centro está Cristo entronizado en todo su esplendor, emitiendo el juicio.
Pero la parte más dramática, traumática y perturbadora
de toda la imagen es aquí a la derecha
donde cuatro lenguas de fuego chupan figuras desnudas al Infierno.
El es el descenso en la depravación donde las cifras se separan.
Están cayendo.
Ellos están siendo violadas.
Ellos están siendo violados por los demonios.
Y aquí, con esta imagen masiva de Satanás,
siendo devorados y excretados en un círculo vicioso.
Pero lo que hizo Giotto que fue revolucionario
era empezar a imbuir figuras humanas con la emoción
y un sentido de drama de gran alcance.
Hay un panel a la derecha de la Crucifixión
donde Cristo está en los brazos de su madre.
Está muerto.
Su madre tiene una sensación de pérdida real en su rostro.
Del mismo modo, las figuras que la rodean transmiten una sensación real de drama.
Y de repente se pone de manifiesto
que la emoción cruda y la verdadera esencia de una historia en la Biblia
puede ser traído a la vida a través de la pintura,
y eso es lo que hace Giotto.
La fama de Giotto como artista se extendió dramáticamente durante su vida.
En 1334, fue invitado aquí a la ciudad de Florencia
donde se le dio el título de gran maestro
y también nombrado arquitecto del campanario
o torre junto a la catedral de Florencia.
En este momento, ltalia era una masa de ciudades-estado,
cada uno compitiendo con el otro por la supremacía militar y política y económica.
La supremacía económica de Florencia centrada en el comercio de la lana y de la banca,
y por supuesto, la mejor manera de afirmar el éxito en que estaban
fue encargar a los mejores artistas y arquitectos
la construcción de los monumentos públicos.
Y fue esta combinación de lo económico y lo estético
que llevó, en los próximos 60 años, a la fundacion
del movimiento de arte más influyente e importante
de los últimos 2.000 años, el Renacimiento.
En el núcleo, en el principio del siglo 15,
Había tres grandes figuras;
uno, un arquitecto, Brunelleschi,
quien construyó la cúpula de la catedral de Florencia
reflejado en la cúpula clásico del Panteón, en Roma;
y luego un escultor Donatello;
y un pintor llamado Masaccio que reinventó el desnudo clásico.
Masaccio miró a Giotto en busca de inspiración
poniendo sus personajes en tres, en lugar de dos dimensiones
sobre la base de la nueva ciencia de la perspectiva,
creando una ilusión de cuerpos geométricos en el espacio
con la luz que viene de una dirección precisa
y con las sombras posteriores dando a ambos una sensación de profundidad
y la intensidad física para el trabajo.
Este es el renacimiento de desnudos ideales clásicos
sobre la base de los modelos griegos y romanos
a diferencia de la iconografía cristiana que acabamos de ver,
aunque como St. Botolph, los desnudos aquí son Adán y Eva
al ser expulsados ??del Jardín del Edén,
su desnudez una vez más un símbolo de su pecado
pero con un cambio sutil pero crucial en la actitud
Masaccio no los pinta como seres humanos totalmente caídos.
Su dignidad está intacta,
y sus cuerpos son una mezcla de culpa cristiana
y la hermosa desnuda clásica que celebra la naturalidad.
Este fue el comienzo de una lucha importante
en que los artistas iban a tratar de recuperar
inocencia, la desnudez, y un sentido de la belleza.
El nuevo enfoque de la pintura en general y el desnudo, en particular,
hacia el final del siglo 15
se demuestra con mayor claridad por Sandro Botticelli
en esta pintura, sobre todo,'' El nacimiento de Venus''.
El renacimiento del clasicismo,
de los valores del mundo clásico de Grecia y Roma
en que se basaba el Renacimiento,
se hizo muy popular en este momento por la excavación de las estatuas antiguas.
Los artistas fueron muy impresionados e influenciados por estas estatuas,
y Botticelli no fue la excepción.
Lo que vemos es una imagen de la diosa Venus que emerge del mar.
Ella está en una concha.
Ella está soplando suavemente a la orilla
por dos dioses del viento, que dispersan pétalos o rosas a su alrededor,
y ella está a punto de ser recibida
por otra figura en la costa llamado a... bueno, ella es una ninfa.
Sin embargo, algunas personas han dicho que es una diosa también,
la diosa de la primavera, Primavera, que tiene una capa de ella.
La pintura está cargada de ambigüedades.
Podemos leer superficialmente lo que se trata.
Pero creo que, en última instancia,
es esta imagen de un maravilloso momento congelado dramático
en la que su desnudez es central,
porque está a punto de ser cubiertos por el manto,
y sin embargo vemos que revela tanto de sí misma como es posible
en las convenciones del arte florentino del siglo 15
y de la moral cristiana en general.
Algunas personas también han visto en esta imagen
una maravillosa fusión de diferentes ideas
del cristiano y lo clásico,
que en sus expresiones faciales y sus gestos,
ella es muy parecida a algunas imágenes de la Santísima Virgen María.
Al mismo tiempo, la gente ha mirado esto y dicho:
Platón, el gran filósofo griego,
sus ideas eran muy fuertes en Florencia en el siglo 15.
Y su idea acerca de formas ideales y la perfección y perfecta
fusiona con la idea cristiana de la divinidad
es la fuente de toda perfección
y que esta es una imagen de la belleza perfecta.
Botticelli mismo tenía serias reservas acerca de este trabajo,
que se derivan del hecho de
que un predicador cristiano vehemente llamado Savonarola
Esparce el mensaje en la Florencia de 1480
sobre la asociación de la desnudez con el pecado y la depravación.
Y, en consecuencia, Botticelli destruye
una serie de imágenes de desnudos que había producido.
Pero esta pintura sobrevive en muchos sentidos como un manifiesto
a la situación cambiante del desnudo en el arte occidental.
En esta imagen, la idea de que el desnudo es pecaminosa y perversa
se mueve firmemente a un lado,
y de repente nos vemos, en todo su esplendor,
la idea del desnudo como algo para ser celebrado,
algo hermoso, algo natural.
Si '' El nacimiento de Venus de Botticelli'' es en gran medida un símbolo pintado
del deseo de hacer el desnudo hermoso, entonces este es el escultórico,
Visión monumental de Miguel Ángel "El David''
producido en 1501 cuando tenía sólo 26 años de edad.
Miguel Ángel ha entrenado como pintor con un hombre llamado Ghirlandaio,
y él también ha sido adoptado inmediatamente
por los clientes que son la firma de banca y la familia
que gobiernan efectivamente la ciudad de Florencia
en la segunda mitad del siglo 15, la familia Medici.
Pero están postrados en 1490 y una República se implementa en Florencia,
Miguel Ángel tiene que huir a Roma.
Pero es invitado de nuevo por la República en el año 1500
y en 1501 se le encarga hacer este trabajo.
Está tallada en mármol de Carrara,
Miguel Ángel consigue un pedazo de piedra
que ya ha sido trabajado y descartado por otros escultores
y produce la imagen de David,
que es un personaje bíblico pero fusionado con valores clásicos.
Es proporcional.
Es armonioso.
Es hermoso.
Hay una calma, pero también hay una fuerza interior.
Y lo más importante de este trabajo es donde se localiza.
El original fue quitado a principios de este siglo
y poner en el Museo de la Academia.
Y esta es una réplica hecha en el sitio original
donde se encontraba'' David''.
Él está fuera del Palazzo Vecchio.
Esta fue la sede del gobierno florentino,
y él está allí como un símbolo de la ciudad.
Mira al Sur a Roma, que es la ciudad
que ofrece la mayor amenaza para la República de Florencia.
Y la plataforma de la cual emerge el''David''
fue donde proclamaciones públicas fueron hechas por el gobierno,
y donde la población se reunía para votar las decisiones,
así como la población o los turistas se reúnen alrededor ahora
para rendir homenaje a'' David'' mismo.
Se ha convertido en un símbolo de muchas cosas,
en última instancia, creo, de la destreza de Miguel Ángel
pero también de la belleza masculina.
Podríamos pensar'' David'' como una escultura clásica
debido a que sus proporciones son en muchos aspectos clásicos,
que recuerda a las grandes esculturas clásicas de la antigüedad griega.
Pero en muchos sentidos, es una escultura del Renacimiento, histórica y moderna.
Muchas esculturas clásicas tienen un aspecto un poco solemne, una introversión.
Se ven a sí mismos.
Ellos no cuestionan directamente al espectador.
David mira directamente al espectador.
'' David'' es una estatua que es casi beligerante por su orgullosa desnudez.
desafía al espectador, tanto con gran valentía,
como también de un modo deliberadamente erótico.
El hombre se ve ahora como la cosa más hermosa del universo,
y en ninguna parte es la fusión
de lo clásico y los ideales cristianos más visibles
de la mayor obra de Miguel Ángel, la Capilla Sixtina.
A la vuelta del siglo 16, el Papa Judas ll había decidido
tener la capilla en el Vaticano decorada.
El plan inicial era de 12 enormes figuras de los apóstoles.
Pero Miguel Ángel rechazó esto como indigno
y en su lugar de pintó episodios del Génesis y la creación.
Le tomó cuatro años de trabajo intenso,
una saga contada por los historiadores del arte y de Hollywood,
de cientos de horas de estar sobre su espalda
ojos inflamados por las pinturas y así sucesivamente.
Finalmente la obra se dio a conocer, y el desnudo tenía gran influencia.
La homosexualidad de Miguel Ángel parece haber infundido su trabajo.
Los hombres jóvenes, desnudos, y con frecuencia erotizado están en todas partes,
rodeando el momento mismo de la creación.
Algunos miembros de la iglesia predicaban
que los personajes de las escenas bíblicas
Siempre debian tener taparrabos, y otros incluso insistiéron
que el niño Jesus siempre debía estar decentemente cubierto.
De hecho, un año después de su muerte en 1565,
el Vaticano repintó algunas escenas que pensaba como subidas de tono.
En particular, su'' Juicio Final'' fue declarado obsceno
así como 41 desnudos en la pintura.
un clérigo declaró
que dichas obras eran más adecuados para una casa de baños que a una iglesia.
Miguel Ángel lo hizo, sin embargo, marcó una tendencia en la que los artistas
deseosos de mostrar sus habilidades eligieron temas cristianos
en los que podrían mostrar la desnudez sin temor a represalias
y de hecho incluso celebrar la sexualidad y la carne efectivamente
por primera vez desde la antigüedad.
La carga erótica que Miguel Ángel dio al desnudo masculino
se hizo eco en las pinturas del desnudo femenino por Tiziano Vecellio,
conocido como Tiziano en el mundo de habla Inglés,
y en este trabajo, en particular,
su célebre'' Venus de Urbino'', pintado en 1538.
Tiziano nace en Venecia,
y él es un artista veneciano durante toda su vida,
que de alguna manera simboliza un cambio importante en el poder
en la escena del arte italiano, un cambio de Florencia a Venecia,
una ciudad donde se marcan las tendencias del arte del siglo 16.
Tiziano se convierte en una estrella famosa, si se quiere,
del mundo del arte italiano en el momento en que tiene 50 años
Y en la década de 1530, es solicitado, entre otros,
por el emperador Carlos V, quien lo hace pintor de la corte
así como por numerosos aristócratas que quieren que pinte sus retratos
y lo particular uno: Guidobaldo della Rovere -
que más tarde se convierte en el Duque de Urbino,
que encarga este trabajo de Tiziano.
Ahora, lo que vemos es una mujer acostada en una cama, venus,
dado una apariencia clásica,
pero también es reconocible a una mujer más moderna.
Sus ojos nos miran de una manera que es a la vez difícil de alcanzar, pero pósible.
Sus manos se cubren sus genitales.
Pero igualmente, hay una sensación de que sabe exactamente lo que está haciendo.
La cama en la que se encuentra tiene las sabanas arrugadas,
como si algo acabara de tener lugar.
Pero también hay una especie de invitación en su abierto actitud
algo que tendrá lugar posteriormente.
Ella casi nos invita a unirnos a ella.
Al menos esa es la forma en que una gran cantidad de comentaristas varones han visto esta pieza.
Ella sostiene un ramo de flores, símbolo de amor,
pero una de las flores ha caído.
La imagen del amor precario, supongo
algo que puede ser precario o transitorio.
Sabemos que Guidobaldo se había casado recientemente con una esposa muy joven
y quería un manual visual para mostrar a su esposa cómo comportarse;
en primer lugar, como un ser *** que puede seducir o atraer a su marido;
en segundo lugar, como una esposa fiel;
y en tercer lugar, como una mujer doméstica que puede llevar una casa.
Pero además, si nos fijamos en la forma en que se aplica la pintura de Tiziano,
él aplica sensualmente
las pinceladas
y la idea de que la pintura y la carne están estrechamente ligados
Creo que es muy fuerte,
y es que lo que hace este trabajo tan influyente
para artistas posteriores como Rubens o Velázquez
o tal vez sobre todo, Manet, que toman esta imagen icónica
y lo utilizan como una forma de explorar la idea
de la mujer como diosa y un ser ***.
Los avances más radicales en la representación del desnudo en una obra proviene
del gran hombre del Renacimiento el propio Leonardo da vinci,
cuyo enfoque estudioso y ***ítico para la representación de los hombres era tan avanzada
que ***ó más de un siglo antes de que comenzara a dominar
el arte en lforma en que se enseña y se produce.
Los dos siglos del Renacimiento eran cerca de dos cosas;
primero, que el ser humano no es necesariamente pecaminoso;
y en segundo lugar, como parte de este,
hombre, no Dios, se había trasladado al centro de arte.
Leonardo observó y participó en la disección del cuerpo humano,
lo que le permitió, tanto literal como metafóricamente,
meterse en la piel del desnudo
y le permitió comprender el funcionamiento de los músculos y las venas
y, en general, la forma en que el cuerpo realmente funcionó desde adentro hacia afuera.
Por lo tanto, fue capaz de hacer el desnudo cada vez más preciso
sitúandolo finalmente en el centro mismo del Renacimiento italiano.
La figura humana es un microcosmos del universo,
una figura cuyas extensiones son abarcados por la perfección
casi divina de las formas del círculo y el cuadrado,
el hombre en el centro, la medida de todas las cosas, desnudo.
El Renacimiento aquí en Florencia, se describe como la cuna de la civilización,
hizo mucho más que simplemente dar renacimiento a la cultura clásica.
En muchos sentidos revitalizó el arte occidental
para los próximos 500 años, y todavía lo hace,
y el desnudo era su emblema central.
Y los desnudos producidos
de artistas como Botticelli y Miguel Ángel
pero sobre todo Leonardo
anunció un cambio en la forma en que la humanidad se vio
y representado a si misma.
Y, en particular el "Hombre de Vitrubio" de Leonardo
hace alusión a lo que iba a suceder en los próximos 300 años en Occidente,
cuando el hombre, despojado en su estado más natural,
es trasladado el centro del escenario.