El Desnudo En El Arte - 4 - Lo moderno. subtitulado al español

El desnudo es el tema más perdurable en el arte. Desde hace más de 20.000 años, las imágenes del cuerpo humano desnudo han estado en el centro de una saga larga y compleja. Es difícil de entender cualquiera de las principales novedades en el arte sin comprender el papel fundamental que desempeñan cambiando las representaciones de hombres y mujeres desnudos. En esta serie, voy a explorar el significado actual del desnudo, lo que nos dice acerca de diversas civilizaciones, y lo que nos dice acerca de nosotros mismos y del mundo en que vivimos. La historia del arte moderno comienza con este gran desnudo, Olympia'''', pintada por Edouard Manet y expuesta en 1865 causando un furor absoluto, tanto es así que un telón se construyó frente a ella y dos policías se pusieron en guardia permanente. Algunos críticos dijeron que estaba por debajo de su dignidad incluso a hablar de ella, pero la mayoría de ellos dijeron que era una burla del arte, que era depravada y nunca se debía mostrarse. ¿Por qué? ¿Por qué les provocaba tanta molestia? Porque cuando nos fijamos en esto, creo que vemos algo que parece más bien clásico en su postura, algo que a lo mejor no es tan ofensivo. Pero mira de nuevo, y te das cuenta de que hay un descaro y una confianza en esta pintura que enerva. El formato es muy clásico, y, de hecho, Manet había estado en Venecia y había visto la gran ''Venus de Urbino de Tiziano'' y utiliza el formato de esta pintura. Pero mientras que en la Venus de Tiziano y en muchos otros desnudos pintados en la historia del arte, las mujeres parecían recatadas, que miraban hacia otro lado, viéndose castas, La figura de Manet es absolutamente descarada. Si nos fijamos en ella, ella nos mira de vuelta. Más confiada. Nos devuelve la mirada. Ella es absolutamente indiferente. De hecho, ella tiene una belleza y una sexualidad que hace alarde de confianza. Y los parisinos de la época que vieron la pintura, vieron a una prostituta. Ellos vieron a una mujer de una cierta clase social que descaradamente sabía lo que era y lo proclamó. Y la prostitución es legal en París, pero, hipócritamente, la gente trató de empujarla debajo de la alfombra. Manet lo sacó a la luz pública. Y como consecuencia de esta pintura, Manet se convirtió en un rebelde - un ser reacio pero sin embargo una figura para un grupo de los artistas jóvenes radicales: los impresionistas, que más tarde se convirtieron en la piedra de toque, si se quiere, o el disparador para el arte moderno. Pero todo comienza aquí. La forma más habitual del artista de la época era darle una especie de resplandor de oro y pintar de una manera en que veríamos más bien una especie de imagen de tipo caja de chocolates. La forma en que Manet pintó tenía esa crudeza de la realidad, que es lo que estaba tratando de reflexionar. Así que los críticos se horrorizaron por la forma en carne viva, Cuan crudamente se había aplicado la pintura, además de estar horrorizados por la naturaleza moderna de la materia. El arte del siglo 20 fue dominado por dos imponentes y contrastantes genios que utilizaron el desnudo como tema central para el desarrollo de sus planteamientos radicales a la pintura y la escultura: el español Pablo Picasso y el francés Henri Matisse. Esta pintura es, para muchos, la imagen más dramática que Matisse produjo nunca, una imagen vibrante de cinco figuras desnudas retozando con abandono total la llamó'' La danza''. Matisse saltó a la fama en el París de 1905 cuando una serie de deslumbrantes paisajes mediterráneos y escenas de playa idílicos representando bañistas desnudos lánguidos sorprendidió a los espectadores y llevó a un crítico, un hombre llamado Louis Vauxcelles, a describir la obra de Matisse como'' una orgía de colores'' comparándolos a las fieras,"le fauve" en francés. Y fue a partir de este término que el fauvismo nació como el primer movimiento artístico radical del siglo 20. Lo fauvismo encarna lo que el arte de Matisse, sobre todo, encarna: el color modulado, exuberante, expresivo, poder, y dinámismo. Y aquí en'' La danza,'' eso es sumamente evidente. La imagen es de tamaño natural, pero los desnudos no están pintados de forma natural. Son un intenso resplandor de color rosa anaranjado perfectamente equilibrada por el fondo de color azul y verde complementario para crear una imagen vívida, pero armoniosa. El desnudo en Matisse es expresivo, imaginativo, idealizado y totalmente hedonista, una celebración de la humanidad liberada y totalmente viva, y una imagen que nos incita a sentir lo mismo. Aún más inmediato y radical en su impacto fue esta pintura, llamada'' La Demoiselle d'Avignon'' por el amigo de Matisse, pero gran rival artístico, Pablo Picasso. Fue pintado hacia 1907, un par de años antes de'' The Dance'' pero no visto en público durante unos años porque incluso Picasso no acababa de ponerse de acuerdo con lo que había producido. También cuenta con cinco figuras femeninas desnudas pintado en colores rosa, pero no hay nada de celebración sobre esta obra. Es un conjunto en un burdel llamado El Avignon en la ciudad de Barcelona, donde Picasso vivió al comienzo del siglo antes de trasladarse a París. Las mujeres miran fijamente al espectador más bien como'' Olympia de Manet'' había hecho pero, esta vez, mucho más conflictiva y con voces violentas y eróticas. Los rostros de las figuras desnudas, están vacíos, sin alma, máscaras similares. Y, de hecho, Picasso había mirado en varias máscaras africanas e ibéroamericanas en busca de inspiración. Esta idea de utilizar el arte primitivo no occidental fue muy importante en el nacimiento del arte moderno. Picasso trató de utilizar el arte tribal como una manera de volver a empezar, como si de una fuente primordial se tratase. Del mismo modo, el cuerpo desnudo fue la humanidad en su estado más primitivo. Pero el poder real y el choque de esta pintura Todavía está en la forma en que Picasso retira los cuerpos de las figuras, rasga las figuras en poses contorsionadas en una forma que es a la vez violenta y profundamente importante en la historia del arte. En lugar de mostrar un cuerpo de un punto de vista fijo, como el arte occidental había hecho durante siglos, Picasso rompe esa convención y nos da una vista multiperspectival del cuerpo humano como si nosotros hubieramos estado en constante movimiento. Y fue aquí, en esta pintura monumental con sus cuerpos fracturados, que lo que se conoce como el cubismo nació, podría decirse que es el enfoque más radical a la imagen en los últimos 1000 años, y sin duda que rompe la mayoría de las convenciones que rigen cómo se pintan las imágenes y cómo se representan figuras. '' La Demoiselle d'Avignon'' aún es aclamado como la pintura más importante del siglo 20, el lugar donde las obsesiones experimentales del arte del siglo 20 realmente comienzan y donde el choque del desnudo es mucho más profundo que su sexualidad. Lo que estamos presenciando con esta procesión de ismos - impresionismo, fauvismo, cubismo - son ARTISTAS llegando a un acuerdo con el realismo de la fotografía. Pintores y escultores, de maneras muy diferentes e individuales, Ahora queriendodo mostrar nuevos tipos de realidad. El desnudo estaba a la vanguardia de esta experimentación, esta reinvención y la reexaminación de la finalidad misma del arte. El Arte europeo cambió radicalmente después de la segunda guerra mundial, y el desnudo era el centro del escenario. El escultor de origen suizo Alberto Giacometti había sido un surrealista en la década de 1920. Había hecho esculturas en forma de jaula. Pero en medio de la década de 1930, decidió trabajar con modelo de nuevo. Solicitando a una modelo que fuera a su estudio en París durante una semana para terminar trabajando con ella todos los días durante los próximos cinco años. Ahora, lo que vemos cuando miramos a las esculturas de Giacometti, sobre todo esto en las secuelas de la Segunda Guerra Mundial - éstas, de hecho, son desde finales de los años 50, pero el estilo se había establecido en 1948, '49 - es la forma de ver el mundo de Giacometti. No se puede escapar de la realidad, mirando a estos, cuya superficie es extraordinariamente violenta. Retorcida. Él trabaja con arcilla húmeda. Tanto con gubias como con los dedos. Raspa con un cuchillo. Los ojos parecen casi sobresalir, y el sexo de la mujer es casi inexistente. Las mujeres son muy pasivas en la escultura de Giacometti. Los hombres de pie. Las mujeres representaciones hieráticas como diosas. Y Giacometti dijo que quería representar una imagen de la mujer como potencialmente fértil y una fuerza redentora, si se quiere, para la humanidad, mientras que el hombre había sido responsable como el ser activo para el cataclismo que acababa de suceder. Giacometti estaba muy cerca de escritores como Jean Genet y filósofos como Jean-Paul Sartre en París, en la margen izquierda, donde la filosofía del existencialismo se está proponiendo: en esencia, una visión atea del mundo en el que se aisló el hombre alienado. Fue vista como pesimista. Pero, además, no se puede escapar de la realidad que se produjo a finales de los años 40 y principios de los 50 a raíz del conflicto humano más horrendo. Y aunque Giacometti lo negó, estas obras, me parece a mí, y fueron sin duda leídos así por muchas personas en el momento, son una acusación extraordinaria de la humanidad post-Holocausto. La visión sombría de la humanidad que se encuentra en la escultura de Alberto Giacometti tenía paralelo en la pintura de Francis Bacon. Él trabajó a menudo en forma de tríptico - en otras palabras, tres paneles que se hacen eco de los retablos de las catedrales medievales. Y aquí, en este trabajo realizado en 1972, tríptico religioso que se sube a bordo, pero es en gran medida una imagen personal, la imagen, porque, de hecho, Bacon tenía otra Cuando entra triunfal en París, en el Grand Palais, su novio y su modelo de los siete años anteriores, un hombre llamado George Dyer, muere. Bacon regresa a Londres. Está consternado por la muerte de su amigo y pinta una serie de imágenes que conmemorar y meditan sobre la muerte de Dyer. Y esta es la primera y, en cierto modo, la más monumental. Los críticos han dicho que el fondo *** es un símbolo de la muerte, Pero Bacon dijo que es también la mejor manera de mostrar las formas en el plano. A la izquierda, la figura es claramente reconocible como propio Dyer pero, como vemos, su carne casi se está derritiendo. Hay una imagen de la humanidad y el cuerpo humano en constante mutación. En el lado derecho, del panel a veces se piensa que es Francis Bacon y, a veces piensa que Dyer. Yo lo leo como una fusión de los dos, y creo que la imagen es amplificada por el panel central, donde hay claramente dos figuras masculinas entrelazadas. Bacon también dijo que es una imagen que venía de su inconsciente. En otras palabras, a través de la aplicación de la pintura, Bacon hizo uso de cepillos, trapos, peines - a veces lo tiró al suelo. A veces él hacía gestos salvajes frente a la pintura. A veces la pintura, como en este caso con el blanco, era mezclado con arena. Pero de algún modo, perder una cierta cantidad de medios de control muestra las imágenes de las profundidades de nuestro inconsciente a veces vienen a un primer plano. Creo que esto es claramente ***, y creo que, en cierto modo, Bacon está recordando o disfrutando con la relación *** que ha tenido con Dyer - una fusión, si se quiere, de las dos figuras a cada lado. Imagen del cuerpo humano de Bacon que se describe a menudo como violenta y sexualmente cargada, y eso es porque su propio vida *** fue violenta. Era un sadomasoquista. Y en su estudio caótico, tenía imágenes de los cuerpos humanos en descomposición y enfermos clavado en la pared. En cierto modo, es un hombre que se deleita en la putrefacción. Casi hay un hedor de la carne humana en descomposición en sus pinturas. Pero, al mismo tiempo, creo que hay una gran belleza. Se deleita en carne humana. Le resulta muy táctil y transmite esto en la forma en que él pinta sobre el lienzo. Mi opinión personal es que es, sin duda, el pintor más poderoso de la carne humana en el siglo 20. El Yorkshire nacido escultor Henry Moore tenía una visión redentora más desafiante de la figura humana en el período de posguerra. En obras como ésta, llamada ''figura reclinable número tres'' se muestra la forma humana fusionada con la de paisaje. Ahora, la primera vez que miré esto, no es evidente que es una figura humana. Pero si se mira de cerca, está la cabeza. y estas curvas, las curvas fértiles, del cuerpo femenino. Pero lo más importante, por supuesto, es que es en dos partes. Es abstracta. Es la figura humana extraída. Pero también se fusiona con la idea del paisaje. Hay algo antiguo y primordial de esto. Y Henry Moore es un gran asimilador. Fusiona los desnudos del pasado 3000, 4000, 5000 años. De hecho, se remonta a las antiguas diosas de la fertilidad. Mira el arte de diosas mexicanas. Mira a las figuras reclinadas clásicas. Y luego se fusiona todo de una manera moderna. Trabaja en yeso en la posguerra. Originalmente, había tallado directamente en la madera y la piedra. Pero aquí se puede ver la forma en que ha trabajado en la superficie del yeso, y luego lo convierte en bronce. Y en bronce se puede hacer en un número de ediciones. La mayoría de sus obras fueron realizadas en las ediciones de seis, lo que significaba que podían ser puestas en lugares públicos, como esta urbanización en Southwick en el sur de Londres. Y la idea es que la forma humana desnuda o la figura humana reclinada de alguna manera está allí como un adorno decorativo. Es una manera de apartar el aislamiento de la vida moderna. Para algunos, aunque, por supuesto, esta cifra refuerza que el aislamiento. También aquí, si quieres ser freudiano al respecto, esto casi podría ser el vientre. Pero es un espacio en el que se puede proyectar a sí mismo, se puede ir, se puede sentir, pero usted tiene que completar el cuerpo. La figura reclinada está rematada en su mente. Algunos dijeron que la idea de la fragmentación era una forma violenta de mostrar el cuerpo humano, pero creo que, al final, ahora, vemos haber previsto Moore la forma en que el arte y la sociedad se fragmentó al final del siglo 20. En las últimas tres o cuatro décadas, no ha habido un estilo dominante en el arte, al igual que no ha habido en la moda musical. Y eso se hizo muy evidente aquí en el norte de Londres en la galería de Charles Saatchi, el magnate de la publicidad que ha recogido vorazmente arte internacional en las últimas dos décadas, pero, sobre todo, que ha puesto el arte británico en el mapa, arte joven británico contemporáneo. Y aquí, hay numerosos ejemplos de cómo diferentes artistas abordan el tema del desnudo. Este trabajo es de Ron Mueck, que comenzó su carrera como fabricante de modelos para publicidad y televisión. Y luego se convirtió en un escultor, y este es el resultado. La habilidad de Mueck es suprema, pero lo que vemos no es el querubín de un Rubens o un Rafael o incluso las huestes celestiales de Giotto. Vemos el ángel como el vdcino de al lado, tan de mal humor o enojado como el resto de nosotros. Otro ejemplo es la joven pintora de origen escocés Jenny Saville, que pinta voluptuosa, de hecho descaradamente, gordas figuras femeninas. Por Jenny Saville, la grasa es una cuestión feminista, pero ella también está interesada en los cuerpos extremos. Y ella tenía una madre y su hija, que son las dos figuras de fondo en esta pintura, atadas y acostadas una encima de la otra. Ella las fotografió. Luego se fotografió a sí misma, y es la tercera figura, en la parte superior. Ahora, de hecho, Jenny Saville no es gorda en lo absoluto, pero está distorsionandose a sí misma. Ella está jugando con su propio cuerpo, en algunos aspectos a la manera de un cirujano plástico, pero también de un modo fantasioso. Lo que realmente se nota en la obra de Saville es la extraordinaria forma en que está pintado. La pintura es esta cosa voluptuosa. Es la materia de la carne. Y a medida que te acercas, se convierte en pintura, a veces salpicada, como sangre. Y a medida que te alejas, el desnudo comienza a ser más claro. Esta obra es la más célebre del "enfant terrible" en el arte británico Damien Hirst. Ha trabajado con los animales, pero nunca nos ha mostrado un ser humano completamente formado estar en su trabajo. Esta pieza es un monumento gigante de 20 pies en bronce que es una versión ampliada de un juguete anatómico de 10 pulgadas de altura, hecha para los niños para enseñarles y para entretenerlos. Hirst nos muestra una figura parcialmente desollada con sus tripas e intestinos y el funcionamiento de su cuerpo de manera evidente, aunque están simplificadas. Y, por supuesto, esto se remonta a los dibujos anatómicos del siglo 18 y de nuevo a Leonardo da Vinci. Es también muy juguetón. esto tiene esta lista de diferentes referencias y capas, aunque a veces, mirandola, recuerdo una de las palabras más famosas de Hirst. '' A veces,'', dice,'' No tengo nada que decir, y pasamos mucho tiempo tratando de expresar eso.'' Este trabajo es de la chica mala del arte británico, Sarah Lucas, que produce un autorretrato medio desnudo y medio "TOILET". Sarah Lucas ha producido una serie de obras que tienen que ver con el tema del desnudo, pero utiliza objetos como huevos fritos o pepinos o brochetas o arenques para sugerir genitales. Y lo que está haciendo es reapropiarce del humor y los prejuicios de macho y tirarlo a nuestras caras. Ella es una artista para quien la comedia y el humor knockabout son muy importantes, pero también está haciendo algo más interesante o profundo. Durante todo el curso de esta serie y durante los últimos 2.500 años y más en el arte, el desnudo se ha producido principalmente por hombres y para hombres, un reflejo de una visión masculina del mundo. Por último, en el principio del siglo 21, la mujer en la corriente internacional del arte se están defendiendo. Yo sólo pregunto, en el futuro, dentro de 100 años el tiempo ó 2000 años, lo que las personas pueden aprender acerca de nosotros de las imágenes del desnudo que producimos. Yo imagino, a la gente mirando hacia atrás, que probablemente pensará que estamos saliendo de una época un poco reprimida, si se quiere, donde la desnudez era vista como algo que sólo podía ser una mujer y era muy estrecha en su definición de lo que podría ser visto y quién podía verlo. Y creo que, ya sabes, a finales del siglo 20 entrar en el siglo 21 es sin duda un período de, usted sabe, mucho más amplio y una mayor proliferación de imágenes de desnudos. Lo que llama uno, creo, es el alejamiento de Dios en el centro de la imagen del hombre. En la Grecia clásica, se vio en los desnudos masculinos algo del más allá divino. Dios todavía estaba en el centro, también, de la Edad Media y el Renacimiento nude, No es tanto una celebración de la humanidad sino un recordatorio de la humanidad alejandose de Dios. En el siglo 20 y el desnudo moderno, Dios parece estar casi ausente - ausente de la forma en que se podría mirar la imagen y ausente también como una fuerza que pueda cambiar a la sociedad para cohesionar, para estar juntos como una comunidad. El desnudo moderno representa la atomización del individuo en un mundo que no se trata de la comunidad, en un mundo que se aleja de Dios y ve su desintegración escrita en la misma forma humana desnuda. El hecho es que el desnudo es central, y creo que el desnudo siempre será central. En lo que la gente hace y sin embargo la gente reacciona en contra de la tradición clásica, Yo personalmente no veo cómo el arte puede escapar de el aspecto central de la figura humana y, en particular, el desnudo. Durante los últimos 25.000 años, el desnudo se ha desarrollado como un espejo de la sociedad humana. Hemos recorrido un largo camino de la idea del desnudo como una forma idealizada, y sin embargo, vestigios de que aún se mantienen. En esta pieza aquí, llamado'' Quantum Nube'' por Antony Gormley, slap-*** al lado de la Cúpula del Milenio en el río en Londres, vemos un desnudo humano muy débilmente perceptible en el centro de un desorden de acero soldado. Esto, en cierto modo, es un coloso del siglo 21. Está basado en el modelo clásico, y también se debe a las obsesiones de Antony Gormley a emitir su propio cuerpo desnudo. Gormley explora el espacio de lo que se siente al estar dentro de un cuerpo y la forma en que el cuerpo se relaciona con el mundo que lo rodea. Y en cierto sentido, lo que tenemos aquí, en esta pieza,'' Quantum Cloud'' es una metáfora perfecta y el emblema del lugar donde el desnudo está hoy en el arte y en el mundo en general. es todavía el centro de las cosas. Sigue siendo ampliamente la forma en que medimos las cosas más. Pero al mismo tiempo, es difícil verlo, rodeado como está por el desorden, el caos, la confusión, y la complejidad del mundo contemporáneo. Subtítulos: "El último giro de la rueda" https://www.youtube.com/MrVideosyarte